MAIOLICHE, PORCELLANE E CERAMICHE D’ARTE AL CASTELLO SFORZESCO

La collezione di ceramiche del Castello Sforzesco

La collezione di ceramiche del Castello Sforzesco di Milano invita a osservare la storia dell’arte attraverso oggetti che hanno accompagnato la vita delle persone, entrando nelle case, sulle tavole e negli ambienti di rappresentanza. Inserita nelle Civiche Raccolte d’Arte Applicata, nel contesto del Museo delle Arti Decorative, appartiene a un patrimonio nel quale la bellezza nasce dall’incontro fra invenzione artistica e conoscenza dei materiali. Il suo interesse non si esaurisce nella preziosità dei singoli pezzi: accostare manufatti di epoche e provenienze differenti permette di comprendere come siano cambiati il gusto, le abitudini e il valore attribuito agli oggetti. Nelle raccolte del Castello sono conservate maioliche di centri italiani come Faenza, Urbino e Pesaro, produzioni lombarde e porcellane europee, in un orizzonte che mette in relazione tradizioni locali e scambi culturali. Per apprezzare questa varietà è utile partire dalla materia. La parola ceramica comprende una famiglia di prodotti ottenuti mediante la cottura di impasti a base di argilla, ma sotto questo nome convivono risultati molto diversi. Nella maiolica il rivestimento a smalto stannifero crea una superficie chiara e opaca, adatta a ricevere la decorazione dipinta; la porcellana si distingue invece per la compattezza dell’impasto e, negli spessori più sottili, per la capacità di lasciar filtrare la luce. Queste caratteristiche orientano la forma, il colore e perfino il modo di percepire un oggetto. Una superficie smaltata può diventare il supporto di una narrazione, mentre il candore della porcellana può valorizzare un profilo, una curva o la delicatezza di un rilievo. Nella maiolica rinascimentale il rapporto con la pittura è particolarmente evidente. La decorazione istoriata trasforma il piatto in uno spazio figurativo, nel quale personaggi, architetture e paesaggi compongono racconti tratti dalla mitologia, dalla storia e dalla tradizione religiosa. Il soggetto eroico introduce nell’oggetto ceramico un immaginario colto e mostra quanto potesse essere ambiziosa l’attività dei pittori di maiolica. Guardando opere di questo genere, il bordo e la cavità del recipiente acquistano un significato diverso: sono parti di una superficie sulla quale la scena deve trovare equilibrio, adattandosi a una forma tridimensionale. Il dialogo fra immagine e volume distingue la ceramica da un dipinto e invita a seguirne i particolari con uno sguardo mobile. Le maioliche di Milano e Lodi offrono inoltre una chiave per avvicinarsi alla cultura materiale lombarda. Il loro interesse consiste anche nel restituire dignità storica a un mondo di manifatture e competenze artigiane che partecipava alla vita economica e al gusto del territorio. Osservare una decorazione, la sagoma di un recipiente o la soluzione adottata per un’ansa significa interrogarsi sul lavoro necessario a ottenere quell’effetto e sulle esigenze di chi avrebbe acquistato il manufatto. La destinazione pratica rimane infatti un elemento essenziale della lettura: un oggetto pensato per essere utilizzato deve rispondere a problemi di equilibrio, presa e resistenza, mentre un pezzo destinato soprattutto all’esibizione può privilegiare la complessità della forma e l’impatto visivo. Fra questi due estremi si collocano molte possibilità, e proprio questa relazione rende le arti decorative una testimonianza così vicina all’esperienza quotidiana. Le porcellane europee ampliano il confronto, introducendo un diverso rapporto fra leggerezza, superficie e modellazione. Anche senza soffermarsi soltanto sulle decorazioni, si possono confrontare la continuità delle curve, le proporzioni e il modo in cui la luce scorre sui rivestimenti: particolari che rivelano un progetto e una lunga esperienza di bottega. Avvicinandosi al Novecento, il percorso delle raccolte incontra nuovi modi di intendere il rapporto fra arte e oggetto. Il granchio in maiolica di Ferruccio Mengaroni, conservato al Castello, mostra quanto la ceramica possa assumere una presenza scultorea, portando l’osservazione della natura oltre la consueta dimensione del vasellame. Il servizio da tè disegnato da Gio Ponti, documentato nelle collezioni del museo, apre invece alla cultura del progetto e alla ricerca di una qualità formale destinata agli ambienti domestici. Il passaggio fra queste esperienze consente di riconoscere nella ceramica un linguaggio capace di accogliere sia l’invenzione individuale sia le esigenze della produzione. La visita acquista così profondità quando, oltre a riconoscere un autore o una manifattura, ci si domanda come ogni pezzo sia stato pensato, realizzato e guardato. Dietro la superficie finita rimangono la preparazione degli impasti, la costruzione della forma, l’applicazione dei rivestimenti e la trasformazione operata dal fuoco: una sequenza di decisioni dalla quale dipendono insieme funzionalità e bellezza. Le ceramiche del Castello permettono di ritrovare questa continuità fra il gesto dell’artigiano e l’idea dell’artista, restituendo agli oggetti il loro spessore umano oltre al loro valore museale.