ROMA STRATIFICATA

Roma non conserva soltanto monumenti di epoche diverse: conserva anche i modi con cui, nei secoli, quelle epoche sono state riscoperte, collezionate, reinterpretate e trasformate in memoria. Alcuni luoghi dell’itinerario permettono di seguire proprio questa seconda stratificazione, fatta di scavi, istituzioni culturali, musei e nuove letture della città antica.

MOSTRA PONTORMO ALLE SCUDERIE DEL QUIRINALE

Dal 9 ottobre 2026 al 7 febbraio 2027 le Scuderie del Quirinale dedicano a Jacopo Carucci, detto Pontormo, la prima grande esposizione monografica interamente incentrata sulla sua figura, offrendo l’occasione di seguire in modo ampio e unitario il percorso di uno degli artisti più originali del Cinquecento fiorentino e di comprendere da vicino il passaggio dall’equilibrio del Rinascimento maturo alle inquietudini della Maniera. Nato a Pontorme, presso Empoli, nel 1494 e formatosi nell’ambiente artistico fiorentino, Pontormo attraversò alcune delle esperienze decisive della pittura del suo tempo, frequentando le botteghe di Piero di Cosimo e Mariotto Albertinelli e approdando poi a quella di Andrea del Sarto, dove lavorò accanto a Rosso Fiorentino. Fin dalle opere giovanili trasformò però i modelli ricevuti in un linguaggio immediatamente riconoscibile: la misura classica si incrina, le composizioni diventano più mobili e instabili, le figure sembrano muoversi secondo ritmi interni difficili da prevedere, gli sguardi acquistano un’intensità psicologica nuova e il colore si emancipa progressivamente dal naturalismo per assumere tonalità limpide, accese, talvolta quasi irreali. Alla riflessione sui grandi protagonisti della tradizione fiorentina, e in particolare su Michelangelo, si affianca l’interesse per la grafica nordica e per le incisioni di Dürer, che contribuisce a rendere ancora più personale una pittura capace di coniugare eleganza e tensione, raffinatezza e inquietudine. Il progetto delle Scuderie del Quirinale, promosso da Ales – Scuderie del Quirinale in partnership con le Gallerie degli Uffizi e realizzato con Electa, è curato da Cristina Acidini con il contributo di un gruppo di studiosi composto da Elena Capretti, Philippe Costamagna, Bruce Edelstein e Carlo Falciani. Il percorso riunisce i principali capolavori dell’artista insieme a una straordinaria selezione di opere su carta, consentendo di mettere in relazione pittura e disegno e di osservare come idee, pose, movimenti e soluzioni compositive nascessero attraverso un processo di continua sperimentazione. Proprio il disegno fu per Pontormo uno strumento essenziale di ricerca: non un semplice passaggio preparatorio, ma un luogo nel quale verificare l’energia di un gesto, la torsione di un corpo, il rapporto fra le figure e l’equilibrio complessivo della scena. La presenza di numerosi fogli permette quindi di avvicinarsi al laboratorio mentale dell’artista e di cogliere con particolare evidenza quella libertà inventiva che nei dipinti raggiunge risultati di sorprendente modernità. Accanto al consistente nucleo proveniente dagli Uffizi, l’esposizione beneficia di prestiti eccezionali concessi da musei e collezioni italiani e internazionali, tra cui la Galleria dell’Accademia, i Musei del Bargello, l’Istituto Centrale per la Grafica, il Louvre, la National Gallery di Londra, il British Museum, il Metropolitan Museum of Art di New York, la National Gallery of Art di Washington, l’Art Institute of Chicago e il Getty Museum di Los Angeles. Questa eccezionale concentrazione di opere rende possibile stabilire confronti normalmente impraticabili e seguire con maggiore chiarezza l’evoluzione di Pontormo attraverso soggetti sacri, ritratti, studi e invenzioni grafiche. Punto di riferimento dell’intero itinerario è la celebre Visitazione di Carmignano, proveniente dalla chiesa di San Michele Arcangelo, uno dei dipinti nei quali il carattere dell’artista si manifesta con maggiore evidenza: le quattro figure femminili occupano quasi interamente lo spazio, i corpi si dispongono secondo un equilibrio sospeso e insieme instabile, gli sguardi costruiscono una trama silenziosa di emozioni e i colori, intensi e inconsueti, sembrano sottrarre la scena alle regole della realtà quotidiana. L’opera, già al centro di importanti studi e restauri, permette di cogliere la capacità di Pontormo di trasformare un episodio religioso in una visione di straordinaria concentrazione emotiva, nella quale la monumentalità delle figure convive con una fragilità profondamente umana. Attorno a questo nucleo il percorso, prevalentemente cronologico ma arricchito da approfondimenti tematici, ricostruisce le diverse stagioni della sua attività e mette in luce la varietà di una ricerca che non procede mai per formule ripetitive, ma attraverso continue variazioni, ripensamenti e invenzioni. Anche il ritratto assume un ruolo decisivo, perché Pontormo seppe rinnovare il genere attribuendo ai personaggi una presenza fisica elegantissima e al tempo stesso una forte dimensione interiore, mentre nelle composizioni religiose l’ordine tradizionale viene spesso sostituito da una costruzione più libera, nella quale spazio, colore e movimento diventano strumenti per esprimere una tensione spirituale e psicologica. La fortuna dell’artista, alterna nei secoli e particolarmente intensa nel Novecento, ha mostrato quanto questa libertà potesse parlare anche alla sensibilità moderna: la sua pittura, lontana da ogni facile serenità, è stata riscoperta come una delle esperienze più radicali della cultura figurativa del XVI secolo e ha suscitato l’interesse di artisti, registi e intellettuali, da Pier Paolo Pasolini fino a Bill Viola. La rassegna romana permette così di superare l’immagine di Pontormo come autore semplicemente “eccentrico” o irregolare, restituendogli il ruolo di protagonista consapevole di una fase storica nella quale i modelli del Rinascimento venivano sottoposti a una profonda trasformazione. Visitare questa esposizione significa quindi entrare in contatto con un artista che conosce perfettamente la tradizione ma sceglie di metterla continuamente alla prova, modificando proporzioni, prospettive, rapporti cromatici e atteggiamenti delle figure per costruire immagini nelle quali la bellezza non coincide più con l’armonia perfetta, ma nasce da un equilibrio più sottile fra ordine e instabilità, grazia e turbamento, naturalezza e artificio. Nel contesto dell’itinerario di Roma stratificata, la tappa alle Scuderie del Quirinale acquista così un significato particolare: dopo avere attraversato testimonianze dell’antichità, della Roma cristiana, dell’aristocrazia, del Barocco e delle grandi istituzioni culturali, l’incontro con Pontormo introduce nel cuore di una stagione in cui il linguaggio rinascimentale viene reinventato dall’interno e mostra come anche la storia dell’arte sia fatta di sovrapposizioni, rotture e riletture continue, capaci di rendere ancora attuale un pittore vissuto cinque secoli fa.

Villa Medici

Villa Medici occupa uno dei luoghi più suggestivi e ricchi di memoria di Roma, sulla sommità del Pincio, in una posizione che domina il centro storico e che già nell’antichità era associata al piacere del soggiorno, ai giardini e alle grandi residenze aristocratiche. L’area sulla quale sorge la villa appartenne infatti a quel settore della città che i Romani consideravano particolarmente adatto alle dimore suburbane e agli horti: qui si estendevano anche i celebri giardini di Lucullo, generale e raffinato uomo politico del I secolo a.C., mentre nei secoli successivi il possesso della zona passò attraverso diverse famiglie e figure della corte imperiale. Alla tarda antichità risalgono inoltre le tracce di un complesso legato all’imperatore Onorio, riportate alla luce da indagini archeologiche moderne, segno di una continuità insediativa che rende il sito molto più antico della villa rinascimentale oggi visibile. La storia dell’edificio attuale prende forma nel Cinquecento, quando il cardinale Giovanni Ricci di Montepulciano acquistò la proprietà nel 1564 e avviò un importante programma di trasformazione, affidando lavori a Nanni di Baccio Bigio e a Giacomo della Porta e intervenendo anche sull’organizzazione della tenuta e sull’approvvigionamento idrico necessario alle fontane e ai giardini. Il momento decisivo arrivò tuttavia nel 1576, quando la villa fu acquistata dal giovane cardinale Ferdinando de’ Medici, figlio di Cosimo I e fratello del granduca Francesco I. Ferdinando, destinato a diventare granduca di Toscana nel 1587, volle fare della propria residenza romana non soltanto una dimora prestigiosa, ma anche una vera manifestazione del rango, della cultura e delle ambizioni della famiglia Medici. Affidò quindi a Bartolomeo Ammannati, uno dei protagonisti dell’architettura fiorentina del secondo Cinquecento, il compito di ampliare e nobilitare il complesso. Ne nacque un organismo architettonico nel quale il carattere severo del fronte rivolto verso la città contrasta volutamente con la raffinatezza scenografica della facciata aperta verso il giardino, organizzata attorno alla grande loggia centrale a serliana e alle due torrette che ancora oggi rendono immediatamente riconoscibile il profilo della villa. Il rapporto tra architettura, paesaggio e collezionismo costituisce uno degli aspetti più originali di Villa Medici: Ferdinando utilizzò infatti l’edificio e il giardino come uno spazio di esposizione per una straordinaria raccolta di antichità, trasformando la residenza in una sorta di museo all’aperto ante litteram. Sulla facciata verso il giardino fece disporre numerosi rilievi romani, parte dei quali provenienti dalla prestigiosa collezione del cardinale Andrea della Valle; marmi antichi, frammenti architettonici e sculture vennero così integrati nella costruzione rinascimentale secondo un programma decorativo che non mirava a ricostruire filologicamente il mondo classico, ma a evocarlo come fondamento di prestigio, cultura e continuità storica. La villa diventava in questo modo una dichiarazione visiva della passione medicea per l’antico e, allo stesso tempo, un luogo nel quale la Roma imperiale veniva reinterpretata attraverso la sensibilità del Rinascimento. Anche gli ambienti interni furono arricchiti con grande cura: Jacopo Zucchi, pittore fiorentino vicino alla cultura manierista, lavorò alla decorazione delle camere del piano nobile, creando soffitti e fregi nei quali allegorie, figure mitologiche, elementi naturalistici e motivi ornamentali compongono un universo raffinato e colto. Particolarmente affascinante è lo studiolo di Ferdinando de’ Medici, con la cosiddetta Stanza degli Uccelli, un ambiente raccolto nel quale una fitta vegetazione dipinta, popolata da numerose specie animali, costruisce l’illusione di un pergolato vivo e continuo, quasi un prolungamento pittorico del giardino esterno. Questa volontà di attenuare il confine tra edificio e natura è uno dei temi centrali dell’intero complesso. Il giardino, esteso per diversi ettari, non è infatti un semplice spazio di contorno, ma una parte essenziale del progetto della villa. Organizzato secondo modelli di ascendenza toscana, è articolato in settori differenti, comprendenti il grande piazzale davanti alla loggia, i quadrati delimitati da siepi, il bosco e le zone un tempo destinate alle funzioni agricole e di servizio. Viali rettilinei, quinte vegetali, fontane, sculture, prospettive e aperture sulla città costruiscono una sequenza di spazi pensati per la passeggiata, la contemplazione, la rappresentanza e lo svago. L’impianto idraulico, avviato già sotto Giovanni Ricci con il contributo dell’ingegnere e matematico Camillo Agrippa, consentì di alimentare un articolato sistema di fontane, elemento indispensabile per la magnificenza di una villa cinquecentesca. Ferdinando arricchì ulteriormente questo paesaggio con opere antiche e con allestimenti scenografici, facendo del giardino una sorta di teatro della memoria classica. Molti originali della collezione medicea furono successivamente trasferiti a Firenze e si trovano oggi agli Uffizi, alla Loggia dei Lanzi, a Boboli o in altri musei granducali; nel Novecento alcune delle presenze più caratteristiche del giardino furono ricreate attraverso copie, permettendo di restituire almeno in parte l’effetto dell’allestimento rinascimentale. Il trasferimento di Ferdinando a Firenze nel 1587, dopo la sua ascesa al trono granducale, segnò la fine della fase più intensa dei lavori, ma Villa Medici rimase per lungo tempo legata alla dinastia toscana e continuò a rappresentare a Roma la potenza culturale dei Medici. Nei secoli successivi l’edificio conobbe una nuova e decisiva trasformazione di funzione. L’Accademia di Francia a Roma, fondata nel 1666 durante il regno di Luigi XIV per consentire ai giovani artisti francesi di perfezionarsi attraverso lo studio dell’antichità e dei maestri italiani, dopo avere occupato diverse sedi romane si stabilì definitivamente a Villa Medici nel 1803. Da quel momento la villa divenne uno dei principali luoghi europei di formazione e confronto artistico, frequentato da generazioni di pittori, scultori, architetti, incisori, musicisti e, in epoche più recenti, da creatori e studiosi appartenenti a discipline molto diverse. Il rapporto tra la residenza medicea e l’Accademia di Francia non rappresentò una semplice successione di proprietà: introdusse una nuova stratificazione culturale, perché gli spazi concepiti nel Cinquecento per il collezionismo e la rappresentanza furono progressivamente trasformati in atelier, ambienti di studio, luoghi di ricerca e sedi di una comunità artistica internazionale. Nel corso dell’Ottocento Villa Medici fu legata a figure di primo piano della cultura francese; tra i suoi direttori vi fu Jean-Auguste-Dominique Ingres, che guidò l’Accademia dal 1835 al 1841. Nel Novecento un altro passaggio fondamentale coincise con la direzione di Balthus, dal 1961 al 1977. Il pittore intervenne profondamente sull’immagine degli interni e dei giardini, promosse restauri, recuperò decorazioni rinascimentali e contribuì in modo determinante alla percezione attuale della villa. La sua azione mirò a fare di Villa Medici un luogo nel quale il patrimonio storico potesse convivere con la creazione contemporanea, principio che continua ancora oggi a caratterizzare l’istituzione. Visitare Villa Medici significa quindi attraversare molti livelli della storia di Roma e dell’Europa: l’antichità degli horti del Pincio, la cultura antiquaria e collezionistica del Rinascimento, la politica di rappresentanza dei Medici, la nascita delle accademie artistiche moderne, il rapporto secolare tra Francia e Italia e infine l’idea contemporanea di una residenza aperta alla ricerca e alla sperimentazione. Pochi luoghi riescono a conservare con altrettanta evidenza questa continuità tra edificio, collezione, giardino e attività artistica: dalla loggia che si apre sul verde alle camere decorate, dai rilievi antichi incastonati nella facciata alle prospettive sul centro di Roma, ogni elemento contribuisce a fare della villa non soltanto un monumento rinascimentale, ma un organismo vivo, continuamente reinterpretato senza perdere la memoria delle epoche che lo hanno trasformato.

Le case romane del Celio

Sotto la Basilica dei Santi Giovanni e Paolo, lungo il suggestivo Clivo di Scauro sul colle Celio, si conserva uno dei complessi archeologici più affascinanti della Roma sotterranea: un insieme di ambienti appartenenti a edifici di epoche e funzioni diverse, trasformati nel corso di oltre quattro secoli e infine inglobati nelle strutture della basilica. La loro importanza nasce proprio da questa eccezionale stratificazione, che consente di leggere quasi senza interruzioni il passaggio dalla Roma imperiale alla città cristiana tardoantica. Gli ambienti, oggi in gran parte sotterranei rispetto al livello della chiesa, non furono concepiti come un unico edificio, ma derivano dalla progressiva unificazione e trasformazione di costruzioni differenti. Le fasi più antiche risalgono all’età imperiale, quando nell’area esistevano strutture residenziali e di servizio; tra queste si riconoscono una domus su più livelli dotata anche di un piccolo impianto termale privato, il balneum, e un’insula, cioè un edificio abitativo a più piani, con botteghe e magazzini al livello stradale. Nel corso del III secolo d.C. questi nuclei furono progressivamente riorganizzati e collegati, fino a essere trasformati in una dimora signorile molto più ampia ed elegante. È in questa fase che diversi ambienti vennero arricchiti da una raffinata decorazione pittorica, ancora oggi uno degli elementi di maggiore interesse del complesso. Le pareti conservano infatti affreschi con motivi ornamentali, scene di carattere mitologico e soggetti figurati che documentano il gusto della tarda età imperiale e mostrano come l’abitazione appartenesse a un contesto sociale agiato. Particolarmente significativa è la varietà delle decorazioni, perché all’interno dello stesso complesso convivono immagini riconducibili alla tradizione figurativa pagana e testimonianze legate alla progressiva affermazione del cristianesimo. Questa compresenza rende le Case Romane del Celio un luogo privilegiato per comprendere un’epoca di transizione, nella quale antiche consuetudini religiose, forme della vita domestica e nuove pratiche di culto continuarono per un certo periodo a sovrapporsi. Il sito è tradizionalmente identificato con la casa dei martiri Giovanni e Paolo, ai quali è dedicata la basilica sovrastante. Secondo la tradizione cristiana, i due santi avrebbero vissuto e subito il martirio proprio in questo luogo nel IV secolo, e la memoria della loro sepoltura trasformò progressivamente l’antica residenza in uno spazio venerato dalla comunità cristiana. Alcuni ambienti furono quindi adattati a funzioni religiose e il complesso assunse il carattere di un titulus, uno dei primi luoghi di culto domestico della Roma cristiana. Il passaggio dalla casa privata allo spazio sacro è testimoniato in modo particolarmente suggestivo dalla cosiddetta Confessio, l’ambiente collegato alla memoria dei martiri, dove la decorazione pittorica tardoantica acquista un esplicito significato cristiano. La trasformazione culminò tra la fine del IV e l’inizio del V secolo con la costruzione della basilica soprastante: per realizzarla, i livelli superiori degli edifici preesistenti furono in parte demoliti, mentre quelli inferiori vennero interrati e utilizzati come fondazione della nuova chiesa. Proprio questo intervento, che apparentemente cancellava la precedente organizzazione abitativa, contribuì invece alla straordinaria conservazione degli ambienti sotterranei, rimasti protetti per secoli sotto il pavimento della basilica. Il complesso fu riportato alla luce soltanto alla fine dell’Ottocento, quando nel 1887 padre Germano di San Stanislao, rettore della basilica, avviò ricerche sotto l’edificio sacro nel tentativo di individuare le testimonianze legate ai santi titolari. Gli scavi rivelarono un sistema molto più ampio e articolato del previsto, formato da oltre venti ambienti distribuiti su più livelli. Le successive indagini archeologiche permisero di ricostruire con maggiore precisione la lunga storia delle strutture e di riconoscere le diverse fasi edilizie che precedettero la basilica. Camminare oggi nelle Case Romane del Celio significa dunque attraversare fisicamente una sequenza di epoche: si passa da vani che conservano l’impronta della vita quotidiana della Roma imperiale ad ambienti trasformati in una residenza aristocratica, fino agli spazi nei quali la memoria cristiana modificò progressivamente la funzione dell’edificio. Il fascino del luogo dipende anche dalla sua dimensione profondamente urbana. L’ingresso dal Clivo di Scauro, una delle strade antiche meglio riconoscibili del Celio, permette di cogliere il rapporto tra il complesso e il tessuto della città romana, mentre all’interno le murature, le aperture tamponate, i cambiamenti di quota e le diverse tecniche costruttive raccontano visivamente le trasformazioni subite nel corso dei secoli. Le Case Romane non offrono quindi l’immagine immobile di una singola domus conservata intatta, ma mostrano un organismo continuamente adattato a nuove esigenze abitative, sociali e religiose. È proprio questa complessità a renderle particolarmente coerenti con il tema di una Roma stratificata: sotto una grande basilica cristiana sopravvivono una strada antica, abitazioni, botteghe, ambienti termali, sale decorate e spazi di culto, ciascuno appartenente a una fase diversa ma ancora leggibile all’interno dello stesso luogo.